Rami galva nugludintomis akimis beveik aklai tęsiasi iki senovinių gegnių, o viršutinė kūno dalis susitraukia į briaunuotą kupolą primenančią tradicinę Afrikos architektūrą. Lee, atstovaujantis Amerikai bienalėje ir pelnęs „Auksinį liūtą“ už geriausią indėlį šioje parodoje su šiuo darbu „Brick House“ atstovauja juoda moteriška figūra Kaip konteineris, lanksti struktūra ir pastogė turi gilias istorines šaknis.

Tai galingas vaizdas, kuriuo galima atverti antrąją šio didžiulio tomo dalį ir – per daug ambicinga – Paroda, kurią organizuoja Niujorke gyvenanti italė Cecilia Alemani, skirta naujai meno darbotvarkei. Sutelkdamas dėmesį į transformuojančią vaizduotės galią, jis tyrinėja „rūšių tarpusavio ryšį“ – gyvūnų, augalų ir skaitmenines alternatyvas – ir į žmogų orientuotos pasaulėžiūros „postžmogiškumą“, kuris, anot jo, daug nuveikė, kad sunaikintų planetą.

Jei Lee personažo neišmanymas nebūtų paaiškintas pridedamame sienos tekste, kai dalyvaujate tokio dydžio parodoje, o didžiulės Arsenalo salės driekiasi priešais mus beveik pusę mylios, jūs neturite laiko ar minties erdvės faktams išsiaiškinti. Jums reikia dar vieno nuostabaus kūrinio, kad neatsiliktumėte nuo kelio, kurį parūpina Argentinos menininko Gabrielio Childo milžiniškų fajansinių indų rinkinys gyvūno pavidalu – kol kas tik antrasis menininkas vyras, kurį matėme šioje epinėje parodoje. (Žemiau esančiame paveikslėlyje Gabrielius Čarlzas Mama Luchuna, 2021). Iš tikrųjų tai yra „drožybos krosnys“, kurios yra meno kūriniai, skirti sukurti daugiau meno kūrinių. O didžiausias yra gerų 20 pėdų aukščio, ištiesęs kaklą iki lubų kaip nuostabus dūmtraukis, todėl jie dirba tokiu svaiginančiu mastu, kokį turi toliau teikti bet kuri galerija tokioje didžiulėje vietoje, kad išlaikytų pagreitį ir nepasiklystų. dėl didžiulio šių galerijų ilgio.

Nors svajonių pienas Jis bando išlaikyti tą dydžio ir struktūros pojūtį, tačiau vis tiek visiškai pasimeta.

Yra daugybė daugiaekranių filmų, kuriuose žmonės yra egzistencinio įsitraukimo į kraštovaizdį būsenose, ir nesvarbu, ar būtume Norvegijos pušyne, Vietnamo ryžių lauke ar lietuviškame smėlyne, nuotaika ir jausmas būna monotoniškai panašūs. . Daug meno kūrinių kyla iš folkloro, remiantis prielaida, kad „tradicinėse“ visuomenėse žmonės turi sąžiningesnį ir tvaresnį ryšį su gamta ir savo svajonėmis.

Persekiojanti Zimbabvės menininkė Portia Zvavahera ant didelių drobių kuria rafinuotą ir tikrai naujovišką atsaką į svajonių vaizdinius, kurių šaknys yra tiek tradiciniuose Zimbabvės įsitikinimuose, tiek krikščioniškame sekmininkystėje. Tačiau daugelis kitų čia esančių paveikslų pasiduoda bendrajai liaudies estetikai, nesvarbu, ar tai būtų tankiai spalvotos į žemėlapį panašios Eritrėjos menininko Ficre Ghebreyesus instaliacijos, ar Roberto Gil de Monteso homoerotiniai atsakymai į tradicinę Meksikos liaudies tapybą, kuri per daug nutolusi nuo patogumas kičo turizmui.

Iki šio pasirodymo trečdalio kelio jaučiausi taip, lyg rėkčiau, jei pamatyčiau, kaip kitas veikėjas iš galvos, krūtų ar galūnių išskleidė liepsnas arba į augalus panašius plaukų segtukus. Galbūt yra tik keletas šių darbų – meksikietė Felipe Baeza ir brazilė Rosana Paulino yra žymios kaltininkės, bet net, tarkime, trys atrodo per daug.

Iš išvestinio liaudies meno, pseudo folkloro ir pseudo folkloro pereiname prie užmiesčio, postmodernaus liaudies meno, kurią sukūrė Emma Talbot, Max Mara metų moterų meno premijos laureatė ir viena iš nedaugelio britų menininkų, įtrauktų į šią milžinišką galeriją. . Jos plati šilkine vėliava, Iš kur mes atėjome, kas mes esame, kur einame (nuotraukoje aukščiau, Emma Talbot Iš kur mes kilę? 2021 m.), Epas Gogeno paveikslas tuo pačiu pavadinimu, kritikuojantis prancūzų tapytojo norą pabėgti ir „grįžti“ į gamtą, perima supaprastintų žmogaus formų spermos srautą, kuris plinta per šią beveik begalinę vingiuotą struktūrą. Jame gausu frazių, išreiškiančių Talboto atsakymus į tuos pačius raginimus: „Norite išeiti iš sistemos, kuri girdi jūsų skausmą ir kelia skausmą malšinančių vaistų kainas“. Šioje parodoje ateities meno demonstravimas bus labiau panašus į tai, su kuo susidursite Viltšyro lauke festivalyje, įkvėptame „Extinction Rebellion“, kuriame dalyvauja tik žmonės, jau įsitikinę šia priežastimi.

Panašus dominikonų kilmės amerikiečių tapytojo Firelei Baez retro utopijos pojūtis, saldainių spalvos, afrokosminės fantazijos, suteikia skonio aštuntojo dešimtmečio pradžios džiazo roko albumo viršeliams. Čilės menininkės Sandros Vásquez de Hora itin detalūs, daugiasluoksniai, nuostabūs moterų kūno piešiniai pieštuku (nuotraukoje nuoširdžiai, Maitinamas Sandra Vazquez de Hora) Jie atrodo kaip kažkokio seniai prarasto septintojo dešimtmečio feministinio meno pavyzdžiai, nors jie visi buvo pagaminti praėjusiais metais. Panašu, kad šioje laidos dalyje vyrauja nuotaikos: „Hipijos tikrai nepasiteisino, bet vis tiek duokime dar vieną šansą“.

Nuostabią nuotaiką trikdo vokiečių menininkės Raphaella Vogel ir šveicarų tapytojos Louise Bonnet darbai. Vogel gebėjimas ir būtinybė, metro aukščio anatominis modelis sergančių vyrų reprodukcinių organų, pritvirtintų prie vežimo ir traukiamų šešių natūralaus dydžio žirafų, sugriebtų į lipnų plastikinį pynimą, kuris atrodo kaip kažkas, ką Damienas Hirstas būtų sukūręs, jei būtų buvęs karštas feministas. . variklio dangtis Trigubas bosas Tarnavo kaip didžiulis aukuras kūno funkcijoms, su galumfeng personažais farsi ir iškvepia orą per krūtinę.

Tačiau darbas, kuris labiausiai žavi šioje galerijos dalyje – ir kiekvienas didžiulis kambarys savaime jaučiasi kaip galerija – yra lenkų menininkės Joanna Piotrowska vietinės scenos su pozicijomis, paimtomis iš savigynos vadovų. Tai ne tik dramatiškas turinys, dėl kurio galite trumpai apibendrinti, bet ir nespalvotos fotografijos smulkmenos. Tą pačią reakciją turėjau ir su porcelianinėmis ir plieninėmis kriauklėmis amerikiečių menininkės Caroline Lazard instaliacijoje „Ligos laikinumas ir priežiūros darbas“. Niekada negalvokite apie aukštą retorinę retoriką: po stebuklingo pieniško sapno pertekliaus pajutau norą apkabinti šiuos dalykus dėl jų tuščio kasdieniškumo.

Šioje galerijoje yra keletas puikių darbų. Libano menininko Ali Sherri didžiuliai antikvariniai padirbti artefaktai, suformuoti iš purvo, supančio tikrus senovinius objektus, šmaikščiai ir vizualiai galingai suvaidina archeologijos procesus. Kanados menininko Tao Louiso milžiniški kačių veidai su nerimą keliančiomis žmogaus lūpomis ir nosimi, rankomis susiūti iš tekstilės atraižų ir netikro kailio, yra tokie žaismingi.

Tačiau šie kūriniai yra šiek tiek pasimetę tarp vyraujančio grožinės literatūros suvokimo, kuris beveik išimtinai sutelktas į įžvalgumą ir fantastiškumą. svajonių pienas Tai sveikinama kaip sugrįžimas Siurrealizmas. Tačiau ten, kur originalus siurrealizmas didžiąją įtaką padarė iš absurdo ir kasdienio gyvenimo atskyrimo, šiuolaikinis siurrealistinis vokiečių / fux-folk / mokslinės fantastikos mišinio mišinys, atrodo, vyksta paralelinėje realybėje, kur politika, darbas ir daugumos kitų dalykų, kurie užima didžiąją dalį mūsų laiko, nėra. Tai šou, sudarytas iš 95% moterų meno, o tai vargu ar rodo nepagrįstą išnaudojimą ir prievartą, nuo kurio moterys vis dar kenčia visame pasaulyje. Tai savaime nėra problema: ne visas menas gali ar turi būti socialiai realistiškas. Tačiau didžioji dalis čia atliekamų darbų turi grubų, kosmetinį meninį pojūtį, kurį galima įdėti tik į meno galerijas.

Tai ypač akivaizdu vienoje iš daugiausiai dėmesio sulaukusių laidos skilčių, daugiausia dėmesio skiriant „post-human“ ateities vizijoms apie „žmogaus/ne žmogaus sąveiką“ ir „technologijų įtraukimą į žmogaus kūną“. Tai ypač akivaizdu „kiborgo“ – futuristinio spekuliacinio objekto su implantuotomis technologijomis ir žmogaus, mašinos bei gyvūnų bruožais – sąvokoje. Nors iš pradžių idėją sukūrė mokslininkai, norėdami apibūdinti galimai realią realybę, ją greitai perėmė mokslinės fantastikos ir mokslinės fantastikos rašytojai – taip idėja buvo įgyvendinta šioje laidoje.

Nors Alemani pagrįstai teigia, kad technologijos „ribas tarp kūnų ir daiktų visiškai pakeitė“, čia nėra jokios užuominos apie jutiminį ir lytėjimo lygį, kur „kiborgo“ sąvoka iš tikrųjų praktikuojama kasdieniame gyvenime. Atrodo, kad viskas buvo sumanyta didelio reginio lygyje.

Korėjos menininkės Meri Lee judančios, krintančios, nuolatos gyvuojančios netikros gyvos būtybės – pavyzdžiui, vienas įspūdingiausių pavyzdžių – reiškia dideles žmonių ar gyvūnų žarnų grupes, pakabintas ant milžiniško rėmo. Tiesą sakant, tai yra poliesterio vamzdeliai, iš kurių išteka variklio tepalas, silikonas ir skystos srutos, ir nors jie erzina įtikinamą organinių ir mašinos elementų sintezę, neaišku, kur turėtume imtis šios idėjos.

Prancūzų menininkės Marguerite Homo meniškai nepaprastos didelio masto skulptūros sukelia įvairias organines formas ir tekstūras, kurias sunku prikišti pirštu (Aukščiau esančiame paveikslėlyje Margaret namai Migracijos 2022). Vienu metu yra pasiūlymų apie povandeninės augmenijos dreifavimą, džiovintus kaulus ir tolimus mėnulio kraštovaizdžius. Atrodo, kad šios formos kabo erdvėje be svorio, nepaisant to, kad jos yra pagamintos iš viso poliuretano ir stiklo pluošto. Ir vis dėlto, nepaisant visų jų turtingų, gyvybingų asociacijų, realybė, kurią jie įkūnija, man atrodo gana skaitmeninė: hiperrealistiški superrealistiniai vaizdo žaidimų peizažai. Kaip ir daugelis kitų darbų, Humeau darbai atrodo taip pat persmelkti kartų jautrumo, įkvėpto fantazijos žaidimų, superherojų franšizių ir mangų pavidalu, kaip ir postmodernistinėje kritinėje teorijoje. Nebūčiau nustebęs, pamatęs Harį Poterį įžengiantį į kampą.

Posthumanas, kaip čia pristatomas, jaučiasi kaip intelektuali pozicija, dažnai vaizduojama tiesiog dekoratyviniu lygmeniu – Zhenya Machneva rusiškais baldais – arba per bendrąją mokslinės fantastikos estetiką, kuri jaučiasi dvasiškai įsišaknijusi XX amžiaus viduryje.^Dešimtoji amžiaus. Amerikiečių skulptoriaus Tishano Hsu kiborgų „architektūriniai“ objektai neabejotinai vilioja ir novatoriškai naudoja itin modernias medžiagas ir procesus. Tačiau jie vis sugrąžindavo mane į 1968 m. Stanley Kubricko filmą 2001: skrydis į kosmosą.

Tai, kad ši paroda, kurioje daugiausia dominuoja moterys, nėra skirta „moterų meno“ apžvalgai, daro ją dar veiksmingesnė kaip neribotos meno įvairovės, kurią šiandien pristato moterys, įrodymas.

Kaip parodų kūrimas – didžiulio meno kiekio struktūrizavimo pratimas dviejose didžiulėse vietose – tai mažiausiai sėkmingas iš paskutinių trijų bienalės pasirodymų. Catherine McClell Viva Art Viva 2017 m. Ralphas Rogoffas Gyvenkime įdomiais laikais 2019 m. abu greitai pateiks aukščiausias akimirkas, kurios patrauks dėmesį šiose didžiulėse erdvėse. Tačiau jei svajonių pienas Kartais besijaučianti vingiuota ir skubotai surinkta, Cecilia Alemani pateikė tai, ko tose ankstesnėse parodose trūksta: tikrai provokuojančią prielaidą, kuri privers susimąstyti ir išlikti mintyse ilgai po to, kai būsite išvykę. Net ir labiausiai siutina, ši paroda yra tik stimuliuojanti, net jei ji paliko mane slegiantį meno ateitį. Jei menas yra neatsiejamas nuo žmogaus egzistencijos, vienas geriausių būdų priimti postžmogį yra visiškai nustoti kurti meną.